The Music of Victor Young (playlist)

Nel panorama della musica americana del XX secolo, pochi compositori sono riusciti a costruire un ponte così solido tra il mondo cinematografico e quello jazzistico come Victor Young. 

Questa playlist speciale ci invita a riscoprire l'eredità musicale di un artista che, partendo dalle sale da concerto come violinista classico, è arrivato a definire il sound di Hollywood e a creare alcuni degli standard jazz più amati di tutti i tempi.

Nato a Chicago l'8 agosto 1899 e morto prematuramente nel 1956 per un'emorragia cerebrale, Victor Young ha rappresentato una figura unica nel panorama musicale americano. Iniziò come compositore classico e violinista da concerto, ma si spostò nella sfera della musica popolare quando si unì all'orchestra di Isham Jones, dimostrando fin da subito una versatilità che sarebbe diventata il suo marchio distintivo.

Young scrisse e diresse musica per molti film di Hollywood negli anni '30, '40 e '50, ma la sua eredità va ben oltre il cinema. Le sue composizioni hanno trovato nuova vita nelle mani dei jazzisti, diventando parte integrante del repertorio standard che ancora oggi viene eseguito nei club e nei festival di tutto il mondo.

Il gioiello della corona di Young rimane indubbiamente "Stella by Starlight", composto per il film "La casa sulla scogliera" come tema strumentale senza testo, prima di ricevere nel 1946 le parole di Ned Washington. Classificato al decimo posto dal sito web jazzstandards.com tra gli standard jazz più popolari, questo brano rappresenta perfettamente l'abilità di Young nel creare melodie che trascendono il loro contesto originale.

"Stella by Starlight" è considerato "di gran lunga il più sofisticato dei brani che Young scrisse e che divennero standard jazz". La complessità armonica del brano, con le sue progressioni innovative e le sue sfumature emotive, ha affascinato generazioni di musicisti jazz, da Stan Getz a Nat King Cole e molti altri interpreti leggendari.

Michel Legrand in Jazz (playlist)

Ci sono compositori che restano confinati in un genere e altri che riescono a far dialogare mondi diversi, creando linguaggi nuovi. Michel Legrand appartiene a questa seconda categoria. 

La playlist Michel Legrand in Jazz ci invita a riscoprire non soltanto il genio del compositore francese, ma anche la sua capacità di scrivere melodie che, pur nascendo per il cinema, sembrano fatte per vivere di vita propria nell’universo del jazz.

Le sue musiche hanno un doppio volto: da una parte il lirismo cinematografico, intriso di romanticismo e malinconia; dall’altra la flessibilità armonica che consente agli improvvisatori di trasformarle in veri e propri standard. Brani come The Windmills of Your Mind, What Are You Doing the Rest of Your Life? o The Summer Knows sono diventati terreno fertile per cantanti e strumentisti, da Sarah Vaughan a Tony Bennett, da Stan Getz a Bill Evans.

Ascoltando questa selezione, ci si accorge che Legrand non ha mai vissuto il jazz come semplice ornamento: era parte integrante della sua identità musicale. Non a caso, nel 1958 registrò Legrand Jazz, un disco entrato nella leggenda, che lo vide dirigere un’orchestra in cui figuravano Miles Davis, John Coltrane, Bill Evans, Herbie Mann e Ben Webster. Un incontro irripetibile tra la sua scrittura orchestrale raffinata e l’anima più viva dell’improvvisazione.

La playlist, quindi, non è solo un omaggio a un grande autore di colonne sonore, ma anche un modo per riscoprire quanto Legrand fosse vicino al cuore pulsante del jazz, un mondo che amava e che frequentava con naturalezza.

Michel Legrand nacque a Parigi il 24 febbraio 1932 in una famiglia già segnata dalla musica: suo padre Raymond era direttore d’orchestra, mentre la madre era di origini armene, legata a tradizioni musicali profonde. La sua formazione avvenne al Conservatorio di Parigi, dove studiò pianoforte, composizione e direzione d’orchestra, dimostrando fin da giovanissimo una sensibilità eccezionale.

Alec Wilder in Jazz (playlist)

Quando si parla di grandi compositori di standard jazz, i nomi che vengono subito alla mente sono quelli di George Gershwin, Cole Porter, Irving Berlin o Jerome Kern. Tuttavia, c'è una figura meno conosciuta dal grande pubblico ma venerata dai musicisti: Alec Wilder (1907-1980), un compositore dalla personalità eccentrica e dal talento straordinario che ha saputo costruire ponti tra il jazz, la musica classica e la canzone popolare americana.

Alexander Lafayette Chew Wilder nasce a Rochester, New York, in una famiglia benestante dell'alta borghesia. La sua formazione musicale riflette fin da subito un'indole anticonformista: rifiuta le convenzioni accademiche, studia composizione da autodidatta e sviluppa uno stile personalissimo che sfugge alle classificazioni tradizionali. 

Questa indipendenza intellettuale si manifesta anche nella sua vita privata: per decenni vive in alberghi, evitando legami fissi e mantenendo una libertà che considera essenziale per la sua creatività.

A differenza dei suoi contemporanei di Tin Pan Alley, Wilder non scrive per Broadway o Hollywood. La sua produzione nasce da una necessità espressiva personale, lontana dalle logiche commerciali dell'industria dello spettacolo. Questa scelta lo porta a sviluppare un linguaggio musicale unico, caratterizzato da una sofisticazione armonica che non sacrifica mai l'immediatezza melodica.

Il rapporto di Wilder con il jazz non è quello del compositore "colto" che si avvicina a un genere popolare per sperimentazione. Per lui, il jazz rappresenta un linguaggio naturale, una forma espressiva che gli permette di comunicare emozioni complesse attraverso strutture musicali al tempo stesso accessibili e raffinate.

Le sue composizioni jazz nascono spesso dalla collaborazione diretta con i grandi interpreti dell'epoca. 

Quando i Rolling Stones incontrano il Jazz

C'è qualcosa di magico nel sentire "Moonlight Mile" dei Rolling Stones trasformata in una ballad jazz notturna. 

È proprio quello che succede ascoltando questa playlist che sta conquistando sempre più appassionati di musica curiosi di scoprire come suonerebbero i classici del rock britannico se fossero nati nei club di New York invece che negli studi di Londra.

L'idea alla base di "Rolling Stones Jazz Cover" è tanto semplice quanto geniale: prendere brani che tutti conosciamo a memoria e stravolgerli completamente, mantenendo però quell'essenza che li rende immortali. 

Non si tratta di semplici cover suonate con strumenti diversi, ma di vere e proprie reinterpretazioni che aprono prospettive completamente nuove su canzoni che credevamo di conoscere alla perfezione.

Ascoltando questi brani, ci si rende conto di quanto la musica dei Rolling Stones si presti sorprendentemente bene al trattamento jazz. Le melodie, spesso costruite su progressioni armoniche solide, trovano nuova vita quando vengono arricchite dalle complessità tipiche del jazz contemporaneo. Il ritmo cambia, gli assoli prendono direzioni inaspettate, e quello che era un riff di chitarra rock diventa un tema per improvvisazioni sofisticate.

Quello che colpisce di più è come questi musicisti siano riusciti a catturare lo spirito ribelle e innovativo che ha sempre caratterizzato i Rolling Stones, traducendolo però in un contesto musicale completamente diverso. Il jazz, dopotutto, è sempre stato un genere che si nutre di sperimentazione e improvvisazione, proprio come il rock degli Stones è sempre stato sinonimo di energia e trasgressione.

Robert Glasper e il fenomeno Black Radio

Nel 2012, con l’uscita di Black Radio, Robert Glasper ha dato inizio a qualcosa che ha travalicato i confini di un semplice album. 

Quella pubblicazione, destinata a diventare un punto di svolta non solo per la carriera del pianista texano ma per l’intera scena musicale afroamericana, è stata il primo capitolo di un progetto ampio, sfaccettato, identitario. Un progetto che ha ridefinito le coordinate del jazz contemporaneo e il suo rapporto con le sonorità urban, hip hop, R&B e soul. Un progetto che ha reso Black Radio un vero e proprio fenomeno culturale.

Per comprendere Black Radio, bisogna partire da Robert Glasper stesso. Nato nel 1978 a Houston, Glasper si forma in ambito jazzistico ma cresce ascoltando tutto: gospel in chiesa, hip hop in radio, soul a casa con la madre cantante, e poi Herbie Hancock, J Dilla, Stevie Wonder. Il suo talento pianistico è evidente fin dai tempi del conservatorio, ma è la sua visione musicale — ampia, inclusiva, liquida — a distinguersi.

Nel corso degli anni Duemila, Glasper si è imposto come una delle figure più innovative del nuovo jazz. Con Canvas (2005) e In My Element (2007), aveva già mostrato un’eleganza moderna, ma è con Double Booked (2009) che comincia a far convivere due anime: da un lato il jazz acustico, dall’altro un groove elettrico, filtrato dall’hip hop. Black Radio, però, è un passo ulteriore.

Black Radio è un disco che porta il nome di un gruppo – i Robert Glasper Experiment – ma che si presenta come un crocevia di voci. La lista degli ospiti è impressionante: Erykah Badu, Lalah Hathaway, Bilal, Lupe Fiasco, Musiq Soulchild, Chrisette Michele, Ledisi, Meshell Ndegeocello. Ognuno contribuisce a un progetto che è tanto musicale quanto sociale.

Stevie Wonder e il jazz (playlist)

Anche se il nome di Stevie Wonder è legato soprattutto al soul, al funk e al pop, il suo rapporto con il jazz è profondo e sorprendentemente ricco. Fin dai suoi primi lavori, la musica di Wonder ha mostrato una sensibilità armonica e ritmica che richiama da vicino il linguaggio jazzistico.

Molte delle sue canzoni, infatti, sono costruite su strutture complesse, con accordi sofisticati e variazioni armoniche che hanno attirato l’attenzione di generazioni di musicisti jazz. Brani come “Visions”, “Too High” o “Overjoyed” ne sono esempi emblematici, capaci di fondere emozione e tecnica in un equilibrio che affascina anche l’ascoltatore più esigente.

Album come “Songs in the Key of Life” e “Journey Through the Secret Life of Plants” rivelano una vena più sperimentale e spirituale, in linea con lo spirito del jazz contemporaneo. Brani come “Contusion”, ad esempio, si avvicinano al jazz-rock e al fusion, confermando la sua versatilità musicale.

Non è un caso che Stevie Wonder sia spesso ospite di festival jazz e venga citato con rispetto dai grandi nomi della scena. Il suo contributo ha attraversato i confini dei generi, costruendo ponti tra mondi diversi e portando il suo inconfondibile tocco anche nel jazz.